Zamek Prezydenta RP w Wiśle

Zamek Prezydenta RP w Wiśle, A. Szyszko – Bohusz, fot. Wikipedia

Zamek Prezydenta Rzeczypospolitej Polskiej w Wiśle powstał na miejscu spalonego pałacyku myśliwskiego Habsburgów. Wzniesiony w latach 1929 – 1930 był darem województwa śląskiego dla głowy państwa – Ignacego Mościckiego. Został zaprojektowany przez jednego z najsłynniejszych polskich architektów, rektora krakowskiej ASP – Adolfa Szyszko-Bohusza, który połączył modernistyczna formę budynku z nawiązaniem do tradycyjnej architektury obronnej. W miejscu dawnego pałacu powstał Zamek Dolny, a powyżej – Zamek Górny.

Salon Pronaszki, fot. gramho.com

Nowatorskie w skali kraju było wyposażenie i wystrój wnętrz, zaprojektowane przez wybitnych plastyków: Andrzeja Pronaszkę (awangardowego malarza i scenografa) i Włodzimierza Padlewskiego (architekta, projektanta mebli), pod kierunkiem Szyszko – Bohusza. W przestronnych wnętrzach zastosowano duże płaszczyzny okien i przeszkleń, a na ścianach umieszczono formistyczne polichromie Pronaszki. Modernistyczny charakter otrzymały również żyrandole projektu Stanisława Bartłomiejczyka.

Największą uwagę zwracały jednak nowatorskie meble, które były autorską wersją awangardowych konstrukcji z giętych i chromowanych rur stalowych, z obiciami ze skóry antylopy i pluszu, z przeszklonymi półkami i blatami. Artyści inspirowali się modernistycznymi projektami Marcela Breuera z niemieckiego Bauhausu, szczególnie jego fotelem Wassily, znanym jako B3, czy też fotelem B35 lub krzesłem B33.

Części metalowe mebli wykonała firma Konrad, Jarnuszkiewicz i S – ka, a stolarkę i tapicerkę zrobiły warszawskie zakłady stolarskie Z. Szczerbińskiego.

Gabinet Prezydenta, fot. collageblog.pl
Gabinet Prezydenta, fot. zamekwisla.pl
Widok jadalni, fot. audiovis.nac.gov.pl
Widok ogólny jednego z pokoi, fot. audiovis.nac.gov.pl
Palarnia, fot. audiovis,nac.gov.pl
Fragment sypialni, fot. audiovis.nac.gov.pl

W wykazie kosztorysowym z 1931 roku było 135 egzemplarzy mebli, po II wojnie światowej zespół uległ rozproszeniu.

Wnętrza Zameczku w Wiśle już w momencie powstania zostały uznane za najważniejszą realizację dwudziestolecia międzywojennego. Meble zaprojektowane w duchu funkcjonalistycznego modernizmu manifestowały nowoczesność młodego polskiego państwa.

W Salonie Dzieł Sztuki Silesii Art możemy zobaczyć modernistyczny komplet mebli do gabinetu, pochodzący z okresu międzywojennego. Ich konstrukcja opiera się na chromowanych rurach stalowych i jest zbliżona stylistycznie do mebli w Zamku Prezydenta RP w Wiśle. W skład zestawu wchodzą: mebel wielofunkcyjny, biurko, niski stolik, łóżko z szufladą, dwa taborety, w całości przeszklony mały barek oraz oryginalna chromowana lampa podłogowa.

Meble do gabinetu, fot. Silesia Art

Bauhaus

Oskar Schlemmer, Logo Bauhausu z 1922 r. fot. Wikipedia

W tym roku obchodzimy setną rocznicę powstania Bauhausu, pierwszej na świecie szkoły nowoczesnego projektowania. Uczelnia założona przez architekta Waltera Gropiusa w 1919 r. w Weimarze, powstała z połączenia Akademii Sztuk Pięknych i Szkoły Rzemiosł Artystycznych. Nazwa nawiązywała do średniowiecznej strzechy budowlanej Bauhutte, skupiającej pracowników różnych dziedzin rzemiosła budowlanego. Szkoła działała w trzech miejscach: w Weimarze (1919-925), Dessau (1925-1932) i w Berlinie (1932-1933).

Na uczelni wykładało wielu znakomitych artystów: Ludwig Mies van der Roche, Hannes Meyer, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Josef Albers i Laszlo Moholy – Nagy. Po jej zamknięciu przez nazistów większość profesorów i uczniów wyemigrowała do Stanów Zjednoczonych.

Walter Gropius napisał manifest Bauhausu, w którym zawarł najważniejsze tezy. Pragnął zniesienia podziału między rzemieślnikiem i artystą, połączenia sztuki z techniką i stworzenia nowoczesnej, funkcjonalnej architektury. Główna zasada Bauhausu brzmiała „forma podąża za funkcją”. Architektura i przedmioty miały być projektowane na bazie prostych form geometrycznych, bez zbędnej ornamentyki i symboli narodowych. Forma była podporządkowana użyteczności wynikającej z potrzeb ludzi. Był to styl funkcjonalnego minimalizmu. Projektanci mieli tworzyć obiekty tanie, dostępne, racjonalne i praktyczne.

Walter Gropius, Budynek Bauhausu w Dessau, 1926 r. fot. wikipedia.pl

Wzniesiona w 1926 r. według projektu Gropiusa siedziba szkoły w Dessau była ucieleśnieniem tych idei. Awangardowy, modernistyczny budynek składał się z pięciu skrzydeł, o zróżnicowanej bryle i elewacji. Posiadał nowoczesne rozwiązania funkcjonalne i nowości technologiczne: żelbetowa konstrukcję, trzykondygnacyjną stalową ścianę kurtynową, poziome pasy okien, płaskie dachy i pozbawione dekoracji elewacje.

Meble i przedmioty zaprojektowane w Bauhausie do dziś stanowią ikony designu. Do ich wykonania wykorzystywano najnowsze materiały i innowacyjne technologie, głównie technikę gięcia metalu. Najwybitniejszymi projektantami byli:

  • Marcel Breuer
  • Ludwig Mies van der Rohe
  • Marc Stam
Marcel Breuer, Fotele Wassily, 1925 r. fot. Artinfo

Fotel Wassily (model B3), nazwany tak na cześć malarza Wassil ego Kandinsky ego, zaprojektowany został przez pochodzącego z Węgier M. Breuera w 1925 r. Był pierwszym „metalowym meblem” Bauhausu, z wyeksponowaną konstrukcją z metalowych rurek i siedziskiem z naprężonych pasów materiału. Było to przełomowe rozwiązanie, które zdeterminowało estetykę kolejnych projektów Bauhausu.

Stalowe konstrukcje M. Breuer wykorzystywał w kolejnych projektach takich jak ascetyczne stoliki Laccio czy krzesło Cesca,

Marcel Breuer, Stoliki Laccio, fot. Pinterest
Marcel Breuer, Krzesło Cesca, fot. patyna.pl

Słynny, elegancki fotel Barcelona Mies a van der Roche skonstruowany jest z dwóch skrzyżowanych stalowych prętów oraz skórzanego siedziska.

Mies van der Roche, Fotel Barcelona, fot. Pinterest

Inspiracją dla projektu „Kołyski” Petera Kelera była książka W. Kandinsky ego na temat teorii kolorów. Składa się z prostych kształtów – trójkątów i prostokątów oraz podstawowych kolorów.

Peter Keler, Kołyska, 1922 r., fot. Bauhaus4you

Ikonami designu stały się lampa Wilhelma Wagenfelda i czajniczek Marianne Brandt.

Wilhelm Wagenfeld, Lampa stołowa, fot. Moma
Marianne Brandt, Czajniczek (Model No. MT49), 1924r., fot. metmuseum. org

Postępowe idee szkoły Bauhausu uzyskały międzynarodową sławę i przyczyniły się do powstania nowoczesnego designu.

ART DECO cz.3 – Polska

Julia Keilowa, Cukiernica „Królewskie jabłko”, 1933, fabryka wyrobów platerowanych Fraget w Warszawie, fot. culture.pl

Odzyskanie przez Polskę niepodległości w 1918 roku wywołało w społeczeństwie polskim głębokie poczucie wspólnoty narodowej. Artyści zostali zaangażowani w poszukiwanie stylu narodowego, inspirowanego miejscowym folklorem, szczególnie Podhala i Huculszczyzny oraz osiągnięciami awangardy artystycznej: kubizmu i formizmu. Art deco stało się stylem państwowym.

W odrodzonym kraju budowano wiele gmachów państwowych i budynków użyteczności publicznej, których wnętrza projektowano w nowym stylu, głównie w Warszawie ( Muzeum Narodowe, Bank Gospodarstwa Krajowego, Ministerstwo Komunikacji, Ministerstwo Edukacji, wieżowiec towarzystwa ubezpieczeniowego Prudential), ale również w Katowicach, Łodzi, Lwowie i Gdyni.

W Polsce, podobnie jak w innych krajach europejskich, art deco wywodziło się z działalności stowarzyszeń z początku XX w. Założone w 1901 r. Towarzystwo Polska Sztuka Stosowana przygotowało grunt twórcom i ugrupowaniom kształtującym główne trendy wzornictwa II Rzeczypospolitej. Kierunek wyznaczony przez Polską Sztukę Stosowaną przejęło w latach 1913 – 1926 stowarzyszenie Warsztaty Krakowskie.

Prekursorem polskiego art deco był artysta związany z Warsztatami Krakowskimi – Karol Tichy. Ten wszechstronny twórca – malarz, projektant mebli i ceramiki, w 1908 r. wygrał konkurs na projekt mebli do pokoju sypialnego ogłoszony przez Miejskie Muzeum Techniczno – Przemysłowe w Krakowie. Jego sprzęty o geometrycznym kształcie odbiegały od stylistyki secesji – były lekkie, funkcjonalne i o uproszczonej dekoracji.

Karol Tichy, Fotel na trzech nogach z zestawu mebli sypialnianych z 1909 r., fot. Pinterest
Karol Tichy, Toaletka z 1909 r., fot. Cyfrowe MNW – Muzeum Narodowe

W słynnej Międzynarodowej Wystawie Sztuki Dekoracyjnej w Paryżu w 1925 r. wzięli udział artyści związani z Warsztatami Krakowskimi: Józef Czajkowski, Wojciech Jastrzębowski, Zofia i Tadeusz Stryjeńscy, Karol Tichy, Edward Trojanowski i Jan Szczepkowski. Ekspozycję polską umieszczono w trzech różnych galeriach: Pawilonie Polskim, Grand Palais i w Galerii Inwalidów. Zaprezentowano na niej m.in. umeblowane wnętrza, malarstwo, rzeźbę, kilimy, tapety, plakaty, ceramikę, zabawki drewniane. Przedstawione prace w oryginalny sposób czerpały z polskiej kultury ludowej, charakteryzowały się oszczędną dekoracją, uproszczoną bryłą, zastosowaniem motywów trójkątów, rombów i zygzaków oraz śmiałą kolorystyką.

Na Wystawie Paryskiej Polska odniosła ogromny sukces, zdobywając większość nagród, w tym 35 nagród Grand Prix – w sumie 184 wyróżnienia, uzyskując tym samym czołowe miejsce wśród 22 państw europejskich.

Kapliczka Bożego Narodzenia Jana Szczepkowskiego otrzymała Grand Prix, Zofia Stryjeńska zdobyła aż pięć odznaczeń, Zygmunt Kamiński został nagrodzony za projekt banknotów.

Józef Czajkowski, Pawilon Polski na Światowej Wystawie w Paryżu , 1925 r., fot. Wikipedia .pl
Wnętrze Pawilonu Polskiego z obrazami Zofii Stryjeńskiej, fot. myvimu.com

Zrealizowana w kilku wersjach i nagrodzona w 1925 r. w Paryżu słynna rzeźba „Rytm” Henryka Kuny przedstawiała postać nagiej kobiety w pełnej wdzięku pozie, o kubizujących, zwartych kształtach podkreślonych rytmicznie opadającą draperią. Dzieło stało się symbolem rzeźby w stylu art deco, umiejętnie łączyło tradycje rzeźby klasycznej z nowoczesnością.

Atrium Pawilonu z rzeźbą Henryka Kuny „Rytm”, nagrodzoną złotym medalem, fot. garvest.com

Rzeźbiarz Jan Szczepkowski był absolwentem Szkoły Przemysłu Drzewnego w Zakopanem i krakowskiej ASP. Jego drewniana, płaskorzeźbiona „Kapliczka Bożego Narodzenia” otrzymała Grand Prix na Wystawie Paryskiej i stała się symbolem polskiej ekspozycji. Utrzymana w geometrycznych, ostro ciętych formach w nowatorski sposób nawiązywała do ludowej sztuki góralskiej.

Jan Szczepkowski, „Kapliczka Bożego Narodzenia”, obecnie w kościele p. w. św. Stanisława w Dourges we Francji, fot. tmm.net.pl

Artysta był również autorem płaskorzeźbionego fryzu na rotundzie sali obrad Sejmu RP i ryzalitów na gmachu Banku Gospodarstwa Krajowego w Warszawie – najlepszych przykładów architektonicznej dekoracji art deco.

Jan Szczepkowski, „Wagi”, płaskorzeźba z supraporty, Bank Gospodarstwa Krajowego, fot. przewodnikwwarszawie.pl

Zofia Stryjeńska, nazywana „księżniczką polskiej sztuki”, na Wystawie Paryskiej otrzymała Grand Prix za panneaux przedstawiające „Pory roku”. Jej prace, utrzymane w żywej kolorystyce, łączyły odwołanie do rodzimego folkloru i mitologii słowiańskiej ze stylistyką art deco.

Zofia Stryjeńska, Pory roku. Lipiec – sierpień, Grand Prix w 1925 r.,tempera na płótnie, fot. cyfrowe.mnw.art.pl
Zofia Stryjeńska, Pory roku. Listopad – grudzień, Grand Prix w 1925 r., tempera na płótnie, fot. cyfrowe.mnw.art. pl
Wojciech Jastrzębowski, Meble do jadalni, Galeria Inwalidów, Wystawa Paryska, 1925 r., fot. iwp.com.pl

Po rozpadzie Warsztatów Krakowskich w 1926 r. powstała Spółdzielnia Artystów i Rzemieślników „Ład”, której założycielami byli: Józef Czajkowski, Wojciech Jastrzębowski, Kazimierz Młodzianowski, Karol Stryjeński i Karol Tichy. Celem nowego stowarzyszenia było tworzenie zarówno przedmiotów unikatowych, jak i przeznaczonych do masowej produkcji. Wyroby charakteryzował szacunek do materiału i dążenie do umiejętnego wykorzystania jego walorów estetycznych i funkcjonalnych. Projektowano tkaniny, meble, ceramikę, metaloplastykę. Artyści „Ładu” otrzymywali zlecenia na wystrój wielu ważnych instytucji państwowych – Ministerstwa Edukacji Narodowej (Wojciech Jastrzębowski), Sejmu, Ministerstwa Spraw Zagranicznych w Warszawie.

Wojciech Jastrzębowski, Ministerstwo Edukacji Narodowej w Warszawie, fot. Wikipedia.pl

W latach 30. XX w. twórcy Ładu i Praesensu projektowali wnętrza i wyposażenie transatlantyków M/S Piłsudski (1934) i M/S Batory (1936).

Palarnia pasażerów klasy turystycznej na pokładzie M/S Piłsudski, fot. graptolite.net

Kilimem jako tkaniną artystyczną jako pierwsi zainteresowali się artyści związani z Warsztatami Krakowskimi. W 1921 r. zorganizowano warsztaty Kilim Polski w Henrykowie pod Warszawą, w którym realizowano projekty K. Stryjeńskiego – kilim „Jodełki” czy W. Jastrzębowskiego – „Piły”. Artyści „Ładu” kontynuowali tę tradycję, komponowali wzory oparte na układach geometrycznych, z przewagą wzorów poziomych i ukośnych, z powtarzającymi się rytmicznie motywami, pojawiały się również dekoracje roślinne i graficzne symbole.

Kilim z motywem liści, projektu Zofii Stryjeńskiej, realizacja: Polskie Towarzystwo Tkackie „Kilim”, Gliniany koło Lwowa, ok. 1937 – 1939, fot. msu.mnp.art.pl

Spółdzielnia „Ład” wywarła duży wpływ na rozwój polskiej sztuki użytkowej.

Ikoną malarstwa art deco były eleganckie obrazy słynnej artystki polskiego pochodzenia Tamary Łempickiej, na których przedstawiała postacie wyemancypowanych, nowoczesnych kobiet o kubizujących kształtach.

Tamara Łempicka, „Muzykantka”, 1929 r., olej na płótnie, fot. christies.com

W okresie międzywojennym na terenie Polski działało kilka firm budujących swój wizerunek w oparciu o nowoczesne wzornictwo art deco. Były to wytwórnie porcelany, szkła i platerów.

Z największą Fabryką Porcelany w Ćmielowie współpracowali czołowi projektanci: Tadeusz Szafran, Józef Szewczyk, Franciszek Kalfas i Halina Burtanówna.

Figurka „Twardowski na kogucie”, proj. Franciszek Kalfas, 1942-1944, fabryka porcelany w Ćmielowie, fot. Muzeum Narodowe w Kielcach

W latach 1932-1934 w wytwórni rozpoczęto produkcję trzech fasonów serwisów do kawy, projektu Bogdana Wendorfa: „Płaskiego”, „Kuli” i „Kaprysu”, sztandarowych dzieł art deco. Naczynia posiadały geometryczne kształty, dekorowane były stylizowanymi wzorami kwiatowymi, tureckimi, japonizującymi i marmurkowymi, często w kontrastowych zestawieniach kolorystycznych.

Serwis do kawy „Kula”, Bogdan Wedorf, Fabryka Porcelany i Wyrobów Ceramicznych w Ćmielowie, fot. cyfrowe.mnw.art.pl

Fabryka porcelany Giesche w Katowicach – Bogucicach także wytwarzała utrzymane w stylu art deco figurki tancerek i rusałek.

Ikebana z figurką „Rusałka”, 1929 – 1939, Fabryka Porcelany SA „Giesche” w Katowicach, fot. repozytorium.mhk.katowice.pl

Fabryka Artystycznych Fajansów i Terakoty w Pacykowie koło Stanisławowa zasłynęła z figurek przedstawiających egzotyczne i domowe zwierzęta, współczesnych kobiet w modnych strojach i eleganckich dżentelmenów, górali, Hucułów, Krakowiaków. O wytwórni pisaliśmy już szerzej na naszym blogu.

Figura fajansowa „Para saneczkarzy”, lata 20 – te, Pacyków, fot. Deskgram

W odrodzonej Polsce nastąpił rozwój przemysłu szklarskiego. Nowoczesna technologia szkła prasowanego wypierała tradycyjne metody, ponieważ pozwalała na masową produkcję. Wiodącymi hutami szkła w tym okresie były : huta Niemen pod Nowogródkiem, Hortensja w Piotrkowie Trybunalskim i Zawiercie na Dolnym Śląsku.

W hucie Niemen powstawały wyroby dobrej jakości, często kopiowano wzory francuskie i czeskie. Głównym projektantem był Michał Titkow, który wyspecjalizował się we wzorach art deco.

Wazon, Huta Szkła J. Stolle „Niemen” (Brzozówka) fot. cyfrowe.mnw.art.pl

Huta Hortensja była jedną z najnowocześniejszych hut. Jej wyroby, inspirowane wzorami wiedeńskimi, zdobywały złote medale na międzynarodowych targach.

Wazon w stylu art deco, szkło prasowane, bezbarwne, huta Hortensja, lata 30. XX w. fot. urządzamy.pl

Szkło oświetleniowe produkowano głównie w hucie Zawiercie, która z czasem zaczęła produkować wysokiej jakości szkła stołowe m.in. dla transatlantyków M/S Batory i M/S Piłsudski.

Patera w stylu art deco, szkło rozalinowe, prasowane i matowane, huta Zawiercie, lata 30. XX w., fot. urządzamy.pl

W nowym stylu art deco produkowały swoje wyroby wytwórnie platerów takie jak: Bracia Henneberg, Fraget i Norblin. Były to naczynia o kubistycznej, geometrycznej formie, gładko polerowanych powierzchniach i ograniczonej dekoracji. W latach 30. pod wpływem stylu streamline formy platerów przybrały miękką, opływową linię.

Julia Keilowa z domu Ringel to najbardziej znana projektantka naczyń metalowych i zastaw stołowych okresu międzywojennego. Uczyła się metaloplastyki w pracowni Karola Stryjeńskiego i rzeźby pod kierunkiem Tadeusza Breyera. Projektowała funkcjonalne, nowoczesne przedmioty o geometrycznych kształtach takich jak: kule, prostopadłościany, stożki, kontrastowo zestawiała wypukłości z wklęsłościami.

Julia Keilowa, Komplet do koktailu, lata 30. XX w., fabryka wyrobów platerowanych Fraget w Warszawie, fot. Narodowe Archiwum Cyfrowe

Z firmy Antoniego Marciniaka pochodzą nowoczesne żyrandole i lampy na biurko w stylu art deco, wykonane z mosiądzu chromowanego lub niklowanego, o geometrycznych kształtach.

Żyrandol na klatce schodowej Ministerstwa Edukacji Narodowej projektu Edmunda Bartłomiejczyka, firma Antoniego Marciniaka, fot. zbieraczstaroci.pl

ART DECO cz.2

ART  DECO  to dekoracyjny styl z okresu międzywojennego XX w., obejmujący swym zasięgiem Europę, Stany Zjednoczone i kraje azjatyckie.

Rene Laliuqe, „Wiktoria”, szklana maskotka samochodowa, fot. musee-lalique.com

Nazwa jest skrótem francuskich słów „art decoratif”, oznaczających sztukę zdobienia. Po raz pierwszy użył jej Le Corbusier na łamach czasopisma „L Esprit Nouveau”. Od daty zorganizowania Międzynarodowej Wystawy Sztuki Użytkowej w Paryżu nazywano go również „stylem roku 1925”.

Art deco był stylem holistycznym, jego wpływ można odnaleźć we wszystkich dziedzinach życia, począwszy od sztuk pięknych po rzemiosło, literaturę, muzykę, kino, teatr, modę. Kontynuował geometryczny nurt Secesji Wiedeńskiej i Warsztatów Wiedeńskich, odwoływał się również do idei integracji sztuki i rzemiosła ruchu Art & Crafts Williama Morrisa. Jego szczyt popularności przypadł na lata 20 – te XX w., w kolejnej dekadzie został wyparty przez modernistyczny styl Bauhausu.

Przedmioty wykonane w stylu art deco charakteryzowały się perfekcją wykonania,  syntetyczną, zgeometryzowaną formą i prostymi, klarownymi motywami dekoracyjnymi.  Ulubionymi kształtami projektantów były stożki, sześciokąty, walce, kule, w przeciwieństwie do  falujących linii secesji. Artyści posługiwali się oryginalnymi technikami, stosując drogie i rzadko spotykane materiały, podtrzymując tradycję rękodzieła.

Na nowy styl wpłynęły:

– egzotyczna sztuka Afryki i Dalekiego Wschodu,
– odkrycia archeologiczne w Egipcie (grób Tutenchamona, 1922),
– kostiumy i scenografia Baletów Rosyjskich Siergieja Diagilewa,
– inspiracja stylami historycznymi jak klasycyzm, biedermeier, styl Ludwika Filipa,
– nowe kierunki w sztuce: geometryczny kubizm, fowizm,
– wynalazki techniczne.

FRANCJA

W 1912 r. Luis Sue założył pracownię sztuki dekoracyjnej Atelier Francais, zajmującą się produkcją mebli i wyposażeniem wnętrz, do której dołączył Andre Mare. Jej celem było stworzenie nowego, typowo francuskiego stylu we wzornictwie, który z czasem został nazwany art – deco.  Artyści projektowali wygodne meble o lekkich korpusach na giętych nogach, wykonane ze szlachetnych gatunków drewna – palisandru, hebanu,  inkrustowane kością słoniową, masą perłową, brązem.

Sue et Mare, Kabinet, drewno palisandrowe z intarsjami, ok.1920 – 1925, fot.achille-antiquites.com

Sue et Mare, Zegar kominkowy ok.1925, posrebrzany brąz, onyks, fot. 1930fr.

Wystawa Paryska w 1925 r. miała przede wszystkim promować francuską sztukę użytkową. Do jej sukcesu przyczynili się tacy projektanci jak: Jean Dunand, Jacques – Emile Ruhlmann i Maurice Dufrene.

Grand Salon w Hotelu Kolekcjonera na Wystawie Paryskiej w 1925 r., projekt  wnętrza Jacques – Emil  Ruhlmann, obraz „Papugi” autorstwa Jeana Dupasa, fot. en.wikipedia.org.

Ebenista Jacues – Emile Ruhlmann był najwybitniejszym przedstawicielem francuskiego art deco. Odpowiadał za wyposażenie wnętrz wszystkich pawilonów francuskich. Jego eleganckie meble, inspirowane klasycyzmem,  wykonane były z egzotycznego, szlachetnego drewna, zdobione intarsją i inkrustowane m.in. skórą rekina, węża, kością słoniową, masą perłową.

Jacques – Emile Ruhlmann, Kredens z motywem rydwanu (1921), heban makasarski, kość słoniowa, fot. Wikipedia fr.

Jean Dunand – rzeźbiarz, złotnik i ebenista inspirował się sztuką Dalekiego Wschodu. Specjalizował się w drewnianych, dekoracyjnych wyrobach pokrytych laką (parawany, panneaux), do której często, dla uzyskania ciekawszego efektu, dodawał opiłki srebra i zmielone skorupki jajek.

Jean Dunand, Szafa na radio, (ok.1930), drewno z laką, metal, fot. christies.com

Jean Dunand, Wazon ceramiczny, laka, fot. christies.com

Paul Follot –  wszechstronny artysta, projektował głównie meble tapicerowane, nawiązujące do stylu Ludwika XVI, a także ceramikę, wyroby ze srebra, tkaniny i tapety.

Paul Follot, Fotele  berżery, ok.1930, fot. pinterest.com

W latach XX w. nastąpił rozkwit kowalstwa artystycznego. Artyści projektowali meble z kutego żelaza: konsole, stoły, obudowy grzejników, lampy.

Edgar Brandt zasłynął jako jeden z najbardziej nowatorskich metaloplastyków okresu międzywojennego. Jego metalowe wyroby, delikatne w rysunku, przedstawiające często rośliny i zwierzęta, układające się we wzory geometryczne, zdobiły wiele gmachów użyteczności publicznej.

Edgar Brandt, Parawan Oasis, kute żelazo i aplikacja ze złoconego metalu, fot. Artnet.com

Meble z kutego metalu wykonywał również  Armand Rateau.

Armand Rateau, Metalowy szezlong, fot. Pinterest

Pochodzący z Rosji Leon Bakst projektował kostiumy i dekoracje inspirowane sztuką Dalekiego i Bliskiego Wschodu do występujących w Paryżu Baletów Rosyjskich.

Leon Bakst, Projekty kostiumów , rysunek ołówkiem i akwarele, fot. metmuseum.org

Symbolem epoki stały się nowoczesne szkła o wyszukanej formie jubilera Rene Lalique a. Wprowadził on nowe techniki produkcji masowej, jak prasowanie w formie czy mechaniczne wydmuchiwanie. Ikonami stylu stały się szklane maskotki samochodowe i flakony na perfumy.

Rene Lalique, Flakony do perfum, fot. forbes.pl

Z kolei Gabriel Argy – Rousseau wykonywał przypominające klejnoty wazy i figurki w technice pate de verre, znanej  już w starożytności, ale spopularyzowanej dopiero w XIX w. Polegała ona na odciskaniu w formie i wypalaniu pasty ze sproszkowanego szkła, substancji klejącej i wody.

Gabriel Argy Rousseau,” Motyl „, figurka szklana, fot. sothebys.com

Rzeźba była popularną dziedziną sztuki w okresie międzywojennym, szczególnie wykonana w technice chryzelefantyny (połączenie brązu i kości słoniowej). Naturalistyczne, perfekcyjnie wykonane figurki w tej technice wykonywał Dimitri Chiparus, wybitny rzeźbiarz urodzony w Rumunii, ale tworzący we Francji.

Dimitri Chiparus, Rosyjscy tancerze, chryzelefantyna, marmur, fot. Pinterest

Na uwagę zasługuje także twórczość Marcela Bouraina, ukazującego  w technice brązu postacie mitologiczne i tancerki .

Marcel Bourain, Tańcząca kobieta z obręczą, brąz na marmurowej podstawie, fot. Catawiki

W stylu art deco powstawały także wyroby ze srebra i metali srebrzonych, o geometrycznych kształtach i gładkich powierzchniach. Metal łączono z drewnem, kością słoniową oraz z bakelitem.  Jean Puiforcat tworzył mistrzowskie serwisy o kubistycznej formie.

Jean Puiforcat, Dzbanki do kawy i herbaty, srebro, uchwyty z drewna różanego, fot. lotsearch.net

WŁOCHY

Najwybitniejszym włoskim twórcą i pionierem włoskiego wzornictwa był architekt Gio Ponti, twórca mebli, porcelanowych i fajansowych figurek, lamp.

Gio Ponti, Wazy fajansowe, fot. regardantiquaire.canalblog.com
Gio Ponti, Para platerowanych srebrem świeczników w stylu art-deco, fot. Artnet

AUSTRIA

Na powstanie stylu art – deco znaczący wpływ miały projekty Josefa Hoffmana, założyciela Warsztatów Wiedeńskich. Charakteryzowały się one prostotą i elegancją form, dostosowanych do funkcji przedmiotu.

Josef Hoffmann, Fotel kubiczny  (1910),  fot. en.wikipedia.org

Josef Hoffmann, Serwis do herbaty (1903), fot. mak.at

Dagobert Peche, związany również z Warsztatami Wiedeńskimi, projektował unikatowe i finezyjne przedmioty. Jego twórczość  miała duży wpływ na rozwój wzornictwa, szczególnie tkanin i tapet.

Dagobert Peche, Bomboniera ceramiczna, ok. 1918 r., Warsztaty Wiedeńskie, fot. cs.nga.gov.au

Na uwagę zasługuje ceramika wiedeńskiej wytwórni Goldscheider, głównie figurki przedstawiające tancerki i współczesne kobiety w modnych strojach projektu rzeźbiarza Josefa Lorenzla,  tworzącego również w brązie.

Josef Lorenzl, „Taniec – Mary Wigman”, fajans , wytwórnia  Goldscheider, fot. Silesia Art

 Dużą popularnością cieszyły się niedrogie rzeźby z metalu wiedeńskiej firmy Hagenauer.

Karl Hagenauer, Orkiestra jazzowa, nikiel, fot.pinterest.com

NIEMCY

Na niemieckie art – deco duży wpływ wywarła szkoła Bauhausu. Wnętrza projektowane przez Karla Bertscha, Emila Falmenkampa i Bruno Paula były przykładem typowego niemieckiego art deco. Widać w nich inspirację stylem biedermeier i modną, żywą kolorystyką.

Karl Bertsch, Adelbert Niemeyer, Bufet w stylu art deco, drewno wiśniowe, fot. antiquitaeten-erfurt.de

Bruno Paul, Czterodrzwiowy kabinet, heban makasarski, intarsje z klonu, fot. christies.com

 Na uwagę zasługuje wzornictwo wytwórni porcelany Rosenthal,  szczególnie figurki wykonane w stylu art deco, przedstawiające tancerki w egzotycznych strojach i tematy współczesne, projektowane przez Dorothe Charol.

Dorothea Charol, Siedzący Pierrot (1927), Fabryka Porcelany Rosenthal, fot. dorotheum.com

W Wuttenbergische Metalwarenfabrik (WMF) z Geislingen powstawały nowoczesne szkło, ceramika i wyroby z metalu z serii „Ikora”.

Wazon metalowy z serii Ikora z dekoracją geometryczną, WMF , fot. etsy.com

Na szkłach Tifannny ego wzorowane było iryzujące  szkło „Myra”  projektu Karla Wiedmanna.

ą

Szkła iryzujące , Myra Kristall, ok. 1920, WMF Geislingen, fot.MutualArt

Wybitnym rzeźbiarzem tego okresu, porównywalnym z Chiparusem, był Ferdinand Preiss, który w  technice chryzelefantyny przedstawiał współczesne postacie sportowców, tancerek i aktorek.

Ferdinand Preiss, Tancerka, chryzelefantyna,  fot. Pinterest

CZECHOSŁOWACJA

Na czeską architekturę i wzornictwo duży wpływ wywarł kubizm. W ciężkich, pozbawionych zdobień meblach projektu Pavla Janaka, Josefa Gocara i Otokara Novotnego widać inspirację formami trójkątnymi i pryzmatami.

Josef Gocar, Meble dla aktora Otto Boleska, fot. The Museum of Decoratif Arts

Pavel Janak, Komoda, fot. The Museum of Decoratif Arts

W okresie międzywojennym kanciaste, płaszczyznowe formy zmieniły się w okręgi i łuki, stąd nazwa „rondokubizm” dla czeskiego stylu art – deco.

Warto zwrócić uwagę na szkła z fabryki Ludwiga Mosera z Karlsbadu z rytowanym i pozłacanym fryzem figuralnym oraz szkło imitujące kamienie szlachetne np. zielony jadeit Artura Plevy z Jablonca.

Patera ze szkła fioletowego, ze złoconym fryzem, ok. 1920,  Moser/Karlsbad, fot. artinfo.pl

Artur Pleva, Wazon ze szkła jadeitowego, fot. Artnet

Dekoracyjne porcelanowe figurki w stylu art – deco projektowała dla wytwórni Royal Dux czeska rzeźbiarka Elly Strobach Konig.

Elly Strobach Konig, „Złota tancerka” ok. 1925, porcelana Royal Dux, fot. premierantiques.co.uk

ANGLIA

W Wielkiej Brytanii w okresie międzywojennym nadal silne były wpływy estetyki ruchu Arts & Crafts, a modernistyczne nurty spotykały się z oporem konserwatywnego społeczeństwa. Dopiero pod koniec lat 20 – tych pojawiły się pierwsze realizacje w stylu art – deco. Serge  Chermayeffe  projektował meble łączące prostotę z wygodą do wnętrz luksusowych hoteli i statków.

Serge Chermayeffe, Komoda, fot. Pinterest

Najlepszym przykładem brytyjskiego wzornictwa art – deco jest ceramika Clarice Cliff i Susie Cooper.  Projektowane przez nie naczynia były ręcznie dekorowane we wzory abstrakcyjne i figuralne, inspirowane sztuką współczesną.

Susie Cooper, Serwis do kawy, fot. thepotteries.org

Clarice Cliff, Wazon i dzbanek do kawy, fot. Wikipedia

STANY ZJEDNOCZONE

Stany Zjednoczone nie wzięły udziału w Wystawie Paryskiej w 1925 r., ale wielu europejskich artystów, jak Elieel Saarinen, Wolfgang Hoffmann i Joseph Urban, przyczyniło się do popularyzacji stylu art deco w USA. Łączyli oni w swoich projektach wpływy Warsztatów Wiedeńskich, Bauhausu i francuskiego art – deco. Symbolem nowego stylu na świecie stały się amerykańskie drapacze chmur – Chrysler Building Williama Van Allena i Empire State Building.

William Van Allen, Chrysler Building, fot. Wikipedia.org

Lobby w Chrysler Building, fot. Wikimedia

Wnętrze Chrysler Building, fot. Wikimedia Commons

Inspirację drapaczami chmur widać w wysokich, schodkowych meblach Paula T. Frankla.

Paul T. Frankl, Kredens w formie wieżowca, fot. Wikimedia Commons

Frank L. Wright był najwybitniejszym amerykańskim architektem XX w. Projektował również meble o geometrycznych kształtach i ograniczonej dekoracji inspirowane ruchem Art & Crafts i secesją.

F.L. Wright, Krzesło, ok. 1930,  fot. pinterest.com

Inny artysta Donald Deskey wykonywał sprzęty ze szkła barwionego i giętych prętów stalowych oraz przedmioty codziennego użytku. W 1932 r. zaprojektował wnętrze Radio City Music Hall w Nowym Jorku.

Donald Deskey, wnętrze Radio City,Nowy Jork, fot. historically modern

Donald Deskey, Pudełko, malowane drewno , ok.1928r., fot. Metmuseum.org

W latach 30 i 40 – tych XX w. w architekturze i sztuce użytkowej rozwinął się kierunek streamline, najbardziej nowoczesna odmiana art – deco, który był zainspirowany rozwijającym się przemysłem stoczniowym, lotniczym i kolejowym. Artyści tworzyli przedmioty codziennego użytku o aerodynamicznych, obłych kształtach i lśniących, gładkich powierzchniach z wykorzystaniem nowych materiałów: bakelitu, plastiku.

Główni przedstawiciele tego nurtu to projektanci przemysłowi: Raymond Loewy i Norman Bel Geddes.

Raymond Loewy, Temperówka do ołówków, 1934r., fot.pinterest.com

Norman Bel Geddes, Komplet do koktailu” Manhattan”, fot. arctic.edu

Wszechstronnym artystą był Walter Dorwin Teague – stworzył dekoracyjne szkła art – deco dla firmy Stauben Glassworks, lampy, radioodbiorniki, aparaty fotograficzne.

Walter Dorwin Teague, Radioodbiornik, fot. Art Deco Collection

Historia grafiki cz.2

Kolekcjonowanie dzieł sztuki warto zacząć od kupowania prac na papierze czyli grafiki lub fotografii artystycznej, ponieważ są one dostępne w stosunkowo niskich cenach i w szerokim wyborze. Możemy nabyć je na aukcjach grafiki i plakatu, w galeriach dzieł sztuki i antykwariatach, ale aby dokonać odpowiedniego wyboru, warto wcześniej zaznajomić się z twórczością poszczególnych artystów na przestrzeni wieków oraz z różnorodnymi technikami graficznymi.

Techniki graficzne dzielimy na trzy grupy:

  • techniki druku wypukłego – drzeworyt, linoryt, gipsoryt
  • techniki druku wklęsłego – miedzioryt, akwaforta, akwatinta, mezzotinta, sucha igła, miękki werniks, staloryt
  • techniki druku płaskiego – litografia, algrafia, cynkografia, fotolitografia

Druk wypukły polega na żłobieniu w matrycy linii i płaszczyzn, które mają być niewydrukowane – ślad pozostawiają wypukłe części formy drukowej.

W druku wklęsłym odwrotnie – farbę wciera się w miejsca wyżłobione lub wytrawione, które następnie odbija się na papierze.

W druku płaskim artysta opracowuje rysunek wprost na płaszczyźnie płyty; część nie pokryta rysunkiem odporna jest na przyjmowanie farby drukarskiej.

Istnieje również druk sitowy (serigrafia), gdzie farba jest przetłaczana przez matrycę.

DRZEWORYT

Drzeworyt jest najstarszą techniką graficzną, w której rysunek nanosi się na gładko wyszlifowaną drewnianą deskę, następnie opracowuje się ją dłutami i nożami tworząc zagłębienia. Drukują wypukłe części matrycy, w zależności od układu słojów klocka można wyróżnić dwie podstawowe techniki drzeworytnicze: drzeworyt langowy – linie wycina się wzdłuż słojów drewna oraz drzeworyt sztorcowy – rysunek wycina się w poprzek słojów, uzyskując bardziej precyzyjne linie.

Początkowo stempli drewnianych używano do druku na tkaninie (Indie oraz kraje arabskie). Najwcześniej technikę drzeworytu do druku na papierze wykorzystano w Korei, następnie w Chinach (VII-X w.), gdzie buddyści używali odbitek drzeworytniczych do celów misyjnych. Z 868 roku pochodzi pierwsza książka blokowa Diamentowa sutra.

W Europie technika drzeworytu rozpowszechniła się dopiero w XIV w. Około 1370 – 1380 powstał Le Bois Protat – najstarszy, pochodzący z Francji,  zachowany fragment drewnianego stempla z przedstawieniem scen Ukrzyżowania i Zwiastowania.

 

Le Bois Protat, fot.Wikipedia

 

Pierwsze odbitki odbijane były jednostronnie, na pojedynczych arkuszach papieru tzw. drzeworyty luźne. Były to zazwyczaj karty do gry lub scenki religijne. Odbitki charakteryzował surowy rysunek konturowy, pozbawiony modelunku światłocieniowego, w późniejszym okresie kolorowano je farbami.” Św. Krzysztof”  z 1423 r.  z klasztoru w Buxheim w Austrii jest najstarszym datowanym drzeworytem.

 

Św. Krzysztof, 1423 r., drzeworyt, fot. Pinterest

 

Wraz z rozwojem papiernictwa w XV w. nastąpił dalszy rozwój techniki: powstały duże warsztaty drzeworytnicze (Reisser, Formschneider, Briefmaler). W tym okresie pojawiły się pierwsze książki blokowe (ksylograficzne) – w tym samym klocku drewnianym wycinano zarówno tekst, jak i ilustracje, a nie zapisane rewersy kart sklejano razem,  następnie zszywano. Najważniejsze europejskie książki blokowe to „Apocalypsis”,Biblia Pauperum”, „Speculum Humanae Salvationis”, „Ars Memorandi”, „Ars Moriendi”, „Vita, Passio et Resurrectio Jesu Christi”.

Wraz z wynalezieniem przez Gutenberga ruchomej czcionki ok. 1455 r. i rozwojem druku książkowego następuje rozdzielenie tekstu i obrazu.  „Kronika świata” Hartmana Schedla (1493)  jest największą książką z XV w. , do której 1809 ilustracji drzeworytniczych wykonał norymberski malarz Michael Wolgemut.

 

Cracovia, Kronika śwata, Michael Wolgemut, fot. Wikipedia

 

Z jego pracowni wywodzi się największy mistrz niemieckiego renesansu, a zarazem jedna z największych indywidualności w historii grafiki – Albrecht Dürer (1471 – 1528), z twórczością którego wiążą się początki grafiki autorskiej. Do swojej sztuki wprowadził renesansowe wzorce ze sztuki włoskiej, artysta wspaniale operował światłocieniem i ekspresyjną linią. Najpiękniejsze jego drzeworyty to: ” Wielka Pasja”, „Apokalipsa”, „Życie Marii” czy „Mała Pasja”. Najdoskonalszym technicznie drzeworytem z XVI w. jest „Św. Trójca” z 1511 r.

 

Albrecht Dürer, Św. Trójca, 1511 r., drzeworyt, fot. Encyklopedia PWN

 

Z warsztatu Dürera wywodzili się inni znani drzeworytnicy: Hans z  Kulmbachu, Hans Baldung zw. Grien. Słynni byli również Hans Holbein mł., Lucas Cranach st., Lucas van Leyden i Erhard Altdorfer („Biblia lubecka”).

W XVI w. wyprowadzono również tzw. białoryt, w którym występuje biały rysunek na czarnym tle – jego głównym reprezentantem był Urs Graf (1485-1527/1528).

 

Urs Graf, Rycerz, białoryt, fot. Europeana.eu

 

Pojawiają się również pierwsze drzeworyty światłocieniowe, które umożliwiły naśladowanie efektów rysunku wykonanego rozwodnionym tuszem na papierze. W latach 1507 – 1508 powstają drzeworyty  „en camaieu” – jest to technika z klockiem wiodącym i jednym klockiem tonowym, dającym odcień koloru. Pierwszym datowanym drzeworytem światłocieniowym jest rycina Hansa Burgkmaira  „Kochankowie zaskoczeni przez śmierć” z 1510 r. Później pojawia się drzeworyt chiaroscuro,  wykonany z wielu klocków tonowych, niekiedy z pominięciem klocka kluczowego. Pierwszy zastosował go Niderlandczyk Jost de Negker (1508), ale najlepszymi przedstawicielami tej techniki byli Włosi: Ugo da Capri (koncesja od senatu weneckiego na wykonywanie drzeworytów chiaroscuro), Antonio da Trento, Andrea Andreani. Wybitne osiągnięcia na tym polu mieli również Hans Burgkmair st. i Hans Baldung – Grien.

 

Ugo da Capri, Diogenes, drzeworyt chiaroscuro, fot. Wikipedia

 

Pod koniec XVI w. z drzeworytem zaczęły konkurować nowsze techniki graficzne – miedzioryt i akwaforta, chociaż wielu artystów starało się utrzymać technikę drzeworytu na wysokim poziomie artystycznym, np. współpracownik Rubensa Christoffel Jegher oraz Jan Lievens, przyjaciel Rembrandta;  we Francji Jean Michel Papillon ( ilustracje do „Bajek” La Fontaine`a).

Odrodzenie techniki nastąpiło po wynalezieniu przez Thomasa Bewicka w 1771 r. drzeworytu sztorcowego, który pozwalał rytować we wszystkich kierunkach i osiągać bardziej malarskie efekty.

 

Thomas Bewick, Żółta sowa, drzeworyt sztorcowy, fot. Wikipedia

 

W XIX w.  nowa technika rozprzestrzeniła się w Anglii w związku z działalnością Wiliama Morrisa, propagującego piękną książkę oraz we Francji. Była popularną techniką ilustracyjną dla prasy i książek, a także reprodukcyjną, odtwarzającą dzieła malarskie.

 

Gustaw Dore, Boska Komedia, drzeworyt sztorcowy, fot. Pinterest

 

Apogeum  rozwoju drzeworytu sztorcowego możemy zaobserwować w pracach  wybitnych francuskich artystów – ilustratorów:  Honore Daumier i Gustawa Dore. Wokół malarza – grawera Augusta Leper`a powstała szkoła drzeworytnicza.

Pod koniec XIX w., wraz ze wzrostem zainteresowania estetyką „prymitywu” nastąpiło odrodzenie drzeworytu langowego. Pionierem był Paul Gauguin, którego ryciny stały się inspiracją dla francuskich nabistów, fowistów i niemieckich ekspresjonistów. W technice tej tworzyli: Edward Munch, Franz Marc, Emil Nolde.

 

Paul Gauguin, Auti te pape, drzeworyt barwny, fot. Rynek i Sztuka

 

LINORYT

Jest to technika uprawiana od początku XX w. Negatyw opracowuje się na kawałku linoleum, a zasady techniczne i efekty formalne są podobne jak w drzeworycie langowym. Najwybitniejsze prace w tej technice wykonywał Pablo Picasso.

 

Pablo Picasso, Brodaty w wieńcu, linoryt barwny, fot. Encyklopedia PWN

 

MIEDZIORYT

Technika druku wklęsłego, w której rysunek wykonuje się rylcem na wypolerowanej miedzianej płycie, następnie pokrywa się go  farbą i odbija się na prasie. Na powierzchni papieru druk miedziorytniczy jest lekko wypukły.

Miedzioryt wywodzi się prawdopodobnie ze złotniczej techniki niella, którą posługiwali się włoscy artyści w pierwszej połowie XV w. Pierwszy datowany miedzioryt pochodzi z 1446 r. i przedstawia biczowanie Chrystusa. Główne ośrodki miedziorytnicze powstały w drugiej połowie XV w. we Włoszech,  w Niemczech i Niderlandach.  W górnej Nadrenii działał Mistrz Kart do Gry i jego uczeń Mistrz E.S. , który wprowadził szrafirunek krzyżowy – cieniowanie przy pomocy krzyżujących się linii).

 

Mistrz Kart do Gry, Ptaki, miedzioryt, fot. Wikipedia

 

Mistrz E.S.  Chrystus Boleściwy, miedzioryt, fot. Wikipedia

 

Pierwszym znanym z nazwiska mistrzem miedziorytu był Martin Schongauer, ale najdoskonalsze ryciny wykonał Albrecht Dürer, z których najbardziej znane to: „Rycerz, śmierć i diabeł”, Św. Hieronim” i „Melancholia”.

 

Albrecht Dürer, Rycerz, śmierć i diabeł, miedzioryt, fot. Encyklopedia PWN

 

We Włoszech technikę miedziorytu do perfekcji doprowadzili: Antonio Pollaiuolo, Andrea Mantegna i Marcantonio Raimondi.  Na północy Lucas van Leyden został nazwany niderlandzkim „Dürerem”, ponieważ zasłynął wyborną techniką miedziorytniczą.  Z czasem wiele warsztatów miedziorytniczych zaczęło specjalizować się w reprodukowaniu prac wybitnych malarzy, np. Petera Paula Rubensa (grafiki Boeltiusa Bolswerta, Paula Pontiusa). W XVII w. głównym ośrodkiem miedziorytu stała się Francja, gdzie działają: Antoine Masson i Robert Nanteuil. Claude Mellan (1598-1688)  tworzył majstersztyki techniczne metodą taille simple, polegającą na wykonaniu ryciny jedną spiralną linią, np.  „Chusta św.Weroniki”. Pod koniec XVII w. zainteresowanie tą dziedziną grafiki słabnie.

 

Claude Mellan, Chusta św. Weroniki, miedzioryt, fot. Wikipedia

 

MIEDZIORYT PUNKTOWANY

Odmiana miedziorytu, w której grafik nie posługuje się kreską, lecz wybija na płycie drobne punkciki, co daje na rycinie efekt szerszej gamy szarości. Do prekursorów tej techniki należy działający w XVI w. Guilio Campagnola, ale największy rozwój nastąpił dopiero w Anglii w XVIII w. – W. Ryland i F. Bartolozii.

 

Giulio Campagnola, Leżąca Wenus, miedzioryt punktowany, fot. Wikimedia Commons

 

STALORYT

Technika, w której zasady wykonywania rytu i odbijania są takie same jak w miedziorycie, ale negatyw opracowuje się na płycie stalowej. Technika ta została po raz pierwszy zastosowana w Anglii przez Karola Heatha w 1820 r., następnie rozpowszechniła się we Francji i Anglii. Rytowano widoki miast, albumy z krajobrazami, żurnale mód oraz wykonywano ilustracje  książkowe ( trwałość płyty umożliwiała uzyskanie bardzo dużej ilości odbitek). Staloryt dzisiaj używany jest do druku znaczków pocztowych i papierów wartościowych, ale rzadko w grafice artystycznej.

 

Adolphe Rouargue, Plac zamkowy w Warszawie, staloryt, fot. Desa

 

SUCHA IGŁA (SUCHORYT)

W tej technice druku wklęsłego rysunek graweruje się na miedzianej, mosiężnej lub cynkowej płycie metalową igłą, która pozostawia rowek i wiórek metalowy, zatrzymujące farbę. Daje to efekt tzw. dymka, obok głównej kreski, co przypomina na odbitce szkic ołówkowy. Suchą igłę stosowano często jako uzupełnienie innych technik graficznych – akwaforty, akwatinty, mezzotinty, miękkiego werniksu.

Po raz pierwszy suchą igłę zastosował Mistrz Księgi Domowej z Wolfegg, określany  również Mistrzem Kabinetu Amsterdamskiego (ok.1480). Jako samodzielną technikę pierwszy zastosował ją Andrea Mandolla (1522 – 1563).

 

Mistrz Księgi Domowej, Śmierć i młodzieniec, sucha igła, fot. Wikipedia

 

 

AKWAFORTA

Nazywana inaczej kwasorytem została wynaleziona na przełomie XV – XVI w.  Polega na wykonaniu rysunku igłą grawerską w warstwie ochronnej, którą powleczona jest płyta metalowa. Odsłonięte partie są poddane działaniu kwasu. Powstają w ten sposób zagłębienia, w których zatrzymuje się farba, przenoszona następnie na papier w prasie wklęsłodrukowej. Technika akwaforty daje w rycinach efekty przypominające swobodne rysunki piórkiem.

Początkowo do druku używano płyt żelaznych, ale ulegały korozji, dlatego też z czasem zaczęto stosować płyty miedziane. Pierwsze datowane akwaforty Ursa Graffa pochodzą z 1413 r. W XVI w. znanymi artystami tworzącymi w tej technice byli: Albrecht Altdorfer, Włosi Francesco Mazzuola i  Federico Barocci, w Niderlandach Lucas van Leyden, Pieter Bruegel i Bartholomaeus Spranger.

Wybitny wkład w rozwój akwaforty miał  Rembrandt van Rijn (1606 – 1669), który wykonał ok. 350 rycin w tej technice. Wprowadził subtelny, swobodny styl malarski, wspaniałe efekty światłocieniowe i miękką linię rysunku. Technikę uzupełniał suchą igłą, przecieraniem płyty pumeksem, pogłębianiem rytu rylcem. Najsławniejsze ryciny to: Przekupień trucizny na szczury (1632), Krajobraz z trzema drzewami (1643), Autoportret w czasie rysowania (1645), Trzy krzyże (1653), Chrystus w Emaus (1654), Ecce Homo (1655). Jego prace stały się inspiracją dla następnych pokoleń artystów.

 

Rembrandt van Rijn, Trzy krzyże, akwaforta, fot. Wikipedia

 

Rembrandt van Rijn, Uczony w swojej pracowni („Faust”), akwaforta, sucha igła miedzioryt, fot. PAUart

 

Mistrzami akwaforty w XVII w. byli także Jacob van Ruisdael, Jacques Callot, Claude Lorrain, Guido Reni i Giovanni Francesco Grimaldi.

W XVIII w. powstała akwaforta tonowana, w której płyta przed odbiciem tonowana jest tamponem.

 

Józef Pankiewicz, Ulica Jerzual w Dinan, z kotem, akwaforta tonowana, fot. cyfrowe. mnw. art.pl

 

AKWATINTA

Została wynaleziona w XVIII w. przez grafika francuskiego Jean’a Baptiste’a Le Prince’a, ucznia Francoisa Bouchera. Operuje nie linią, ale plamą, umożliwiając efekty światłocieniowe, przypominające rysunki węglem lub akwarelą, stąd nazywana manierą lawowaną lub ołówkową.  Często stosowana była w połączeniu z akwafortą, co pozwalało zespolić efekty linearne ze światłocieniowymi.

 

 

Jean Baptiste Le Prince, Kołyska, akwatinta, fot. Wikimedia Commons

 

 

Płytę metalową pokrywa się równomierną warstwą sproszkowanej kalafonii lub asfaltu o różnej grubości ziarenek i podgrzewa, by przylgnęły do powierzchni płyty. Stosuje się także rozpyloną w specjalnym pudle żywicę, która roztapiając się osiada kropelkami na metalu. Kwas przedostając się między ziarnkami do metalu trawi w nim siatkę zagłębień, pozostawiając jasne punkciki. Przed zanurzeniem w kwasie, zaznacza się rysunek pędzelkiem umoczonym w werniksie woskowym oraz pokrywa te powierzchnie,  które mają pozostać jasne. Gradację tonów uzyskuje się różnicując czas trawienia płyty.

W mistrzowski sposób akwatintę stosował Francisco de Goya w cyklach graficznych” Los Caprichos (Kaprysy)”, „Los Desastres della Guerra (Okrucieństwa wojny)” i „Los Disparates „(Szaleństwa).

 

 

Francisco de Goya, Kolos, akwatinta, fot. Wikipedia

 

 

SPOSÓB KREDKOWY

Ta nowa technika graficzna (fr. maniere de crayon) została wynaleziona w drugiej połowie XVIII w. przez Jean – Charles Francois ( 1717-1769) i ulepszona przez Gilles’a Demarteau (1722-1788). Na płycie metalowej pokrytej werniksem akwafortowym opracowuje się rysunek za pomocą różnego rodzaju ruletek. Po wytrawieniu rysunek na odbitce przypomina rysunek kredkowy.

 

Gilles Demarteau, reprodukcja obrazu Francois Boucher, maniere de crayon, fot. Wikipedia

 

ODPRYSK

Wynaleziona przez Feliksa Bracquemonda (1833-1914). Na płycie metalowej rysuje się piórem lub pędzlem specjalnym atramentem. Po zaschnięciu rysunku płytkę powleka się warstwą werniksu akwafortowego i wkłada do wody, pod wpływem której kreski pęcznieją i odpryskują razem z werniksem, następnie poddaje się ją trawieniu.

Technikę odpryskową łączy się często z akwafortą lub akwatintą.

MEZZOTINTA

Nazywana również  sztuką czarną, została wynaleziona w 1642r. w Holandii przez Ludwika von Siegen . Płytę miedzianą sieka się równomiernie specjalnym narzędziem tzw. chwiejakiem, tak by odbitka z niej wykonana dała jednolity czarny ton. Później gładzikiem poleruje się te płaszczyzny, które mają być na rycinie jaśniejsze, aż do zupełnego wygładzenia w partiach białych. W tej technice uzyskuje się podobne efekty malarskie jak w akwatincie, ale bez procesu trawienia.

Największy rozkwit mezzotinty nastąpił w Anglii i Wiedniu pod koniec XVIII w. Była ulubioną techniką artystów angielskich (nazywano ją również la maniere anglaise). John Raphael Smith i Richard Earlom zasłynęli doskonałymi reprodukcjami malarstwa Rubensa. Rozpowszechniła się mezzotinta barwna  ( Christoph Le Blon), dzięki której  spopularyzowano dzieła van Dycka, Rubensa i Knellera.

 

 

Earlom Richard, Portret Heleny Fourment, wg obrazu P.P. Rubensa, mezzotinta, fot. PAUart

 

Andrew van Rymsdyk, Złożenie do grobu Chrystusa, wg obrazu Anthony van Dyck’a, mezzotinta, fot. British Museum

 

 

MIĘKKI WERNIKS (vernis mou)

Technika wynaleziona w połowie XVIII w. przez Dietricha Meyera, dająca efekty podobne do rysunku miękką kredką. Płytę metalową pokrywa się warstwą miękkiego werniksu  i przykłada się do niej warstwę gruboziarnistego papieru. Rysuje się na papierze ołówkiem uważając, by nie naciskać miejsc poza rysunkiem. Zdejmując papier z płyty odrywa się też werniks przylepiony w miejscach zarysowanych. Trawienie i odbijanie wykonuje się jak w akwaforcie, pogłębianie czerni uzyskuje się przez zakrywanie odpowiednich partii i powtarzanie procesu trawienia. Można ją łączyć z techniką akwatinty.

 

Leon Wyczółkowski, Szymon Tatar , miękki werniks, fot. Muzeum Narodowe w Warszawie

 

LITOGRAFIA

Podstawowa i najpowszechniejsza technika druku płaskiego, wynaleziona w 1798 r. w Monachium przez Aloisa Senefeldera. Negatyw opracowuje się na gładkiej płycie kamiennej (wapiennej). Rysunek wykonuje się tłustą kredką litograficzną bądź piórkiem lub pędzlem umoczonym w specjalnym tuszu litograficznym, następnie powierzchnię zakwasza się słabym roztworem kwasu azotowego lub gumy arabskiej – dzięki temu niezarysowane partie zostają uodpornione na zatłuszczenie farbą, która przylgnie do miejsc pokrytych tłustą kredką. Odbitki wykonuje się pod naciskiem prasy litograficznej.

Litografie, zależnie od sposobu wykonywania rysunku, można podzielić na: tuszowe, kredowe, lawowane, tamponowane odwrócone i wielobarwne. Na kamieniu litograficznym wykonuje się również rysunki wgłębne ryte i trawione.

Chromolitografia (litografia barwna) została wynaleziona w XIX w., każdy kolor w tej technice był uzyskiwany z innej płyty litograficznej.

Oddruk to litografia, w której następuje podwójny proces odbicia. Rysunek wykonuje się kredką litograficzną na  impregnowanym papierze, następnie odbija się go na kamieniu, a po spreparowaniu płyty – na rycinach.  Artysta może wykonać jedynie rysunek, a całą pracę techniczną może przekazać litografowi – drukarzowi.

Autolitografia to rycina odbijana własnoręcznie przez artystę.

Ossa sepia polega na wykonywaniu rysunku negatywowego na kamieniu.

Techniką litograficzną wykonuje się również matryce na płytach aluminiowych – algrafia oraz cynkowych – cynkografia.

 

Teodor Axentowicz, Kobieta z niebieskim wazonem, algrafia barwna, fot. Muzeum Narodowe w Warszawie

 

 

Litografia daje grafikowi dużą swobodę rysunku i najwierniej oddaje indywidualny styl artysty – pozwala zarówno na operowanie cienką kreską, szerokimi pociągnięciami pędzla jak i na modelowanie subtelnym światłocieniem, dlatego też stosowało ją wielu artystów współczesnych. Jednym z pierwszych był Goya, który w 1819 r. wykonał swą pierwszą litografię, a przed śmiercią wydał , zainspirowany corridą, cykl kredkowych litografii „ Toro de Buerdos”.

 

Francisco Goya, Toro de Buerdos, litografia, fot. Wikipedia

 

We Francji litografię uprawiali tacy malarze jak: Jean Auguste Dominique Ingres, Theodor Gericault, Eugene Delacroix – cykle” Makbet”,”Faust” i” Hamlet”. Największym artystą w tej dziedzinie był  Honore Daumier, który wykonał około 4 tysiecy litografii.

 

Honore Daumier, Gargantua, litografia, fot. Wikipedia

 

W XIX w. doceniono walory reprodukcyjne tej techniki, dzięki którym można było wiernie powielać dzieła dawnych mistrzów. Zaczęto wykorzystywać ją w celach  merkantylnych, dlatego na pewien czas utraciła pierwotnie wysoki poziom artystyczny, zwłaszcza w dziedzinie druków wielobarwnych.

Dopiero pod koniec XIX w. we Francji nastąpiło odrodzenie  litografii artystycznej. Zainteresowali się nią malarze z kręgu szkoły barbizońskiej oraz impresjoniści: Eduard Manet, Edgar Degas, August Renoir. Walory tej techniki docenili także neoimpresjoniści: Paul Signac i Georges Seurat. Na szczególną uwagę zasługuje tutaj twórczość Henri de Toulouse – Lautrec’a, który wykonał wiele wspaniałych plakatów litograficznych. Pod wpływem rozwijającej się na przełomie wieków secesji litografia zyskała nowych zwolenników, wybitnych artystów epoki: Edwarda Munch’a, Paula Gauguin’a, Henriego Matiss’a, Paula Cezann’a, a później w XX w. również: Georges’a Braqua, Pabla Picassa, Joan’a Miro, Marca Chagalla, Roberta Rauschenberga.

 

 

Henri de Toulous Lautrec, plakat „Le divan japonaise”, litografia barwna, fot. Wikipedia

 

 

 

Historia grafiki cz.1

 

Grafika jest jednym z głównych działów sztuk plastycznych, obok malarstwa i rzeźby. Słowo grafika wywodzi się od greckiego graphein, oznaczającego pisanie albo rysowanie. Obecnie pod tym pojęciem rozumiemy twórcze przekształcanie rysunków artysty, wykonane na odpowiednim materiale (matrycy), w celu uzyskania odbitki.

 

 

Ryc.1 Rembrandt van Rijn, „Trzy drzewa”, 1643 (źródło: britishmuseum.org)

 

 

Pierwsze odbitki pojawiły się w Europie  w XIV wieku, ale rozwój grafiki w XV w. wiązał się bezpośrednio z wynalazkiem druku przez Gutenberga w 1450 r. oraz rozwojem i upowszechnieniem papiernictwa. Papier został wynaleziony w Chinach już w 105  r.n.e., następnie przez kraje arabskie i wojny krzyżowe umiejętność jego wytwarzania dotarła na zachód Europy. Pierwsze papiernie zostały założone w Hiszpanii w XII w. i we Włoszech w XIII w. Najstarszą i najsłynniejszą była papiernia w Fabriano (1276).

Początkowo, przez kilka stuleci grafika pełniła głównie funkcje dokumentacyjne oraz ilustracyjne, była również uzależniona od malarstwa, ponieważ umożliwiała reprodukcję dzieł wielkich mistrzów. Dawni artyści często wykonywali tylko rysunkowe podkłady, przekazując dalsza pracę wyspecjalizowanym grawerom, litografom i drukarzom. Wysokość nakładu nie była ograniczana ani oznaczana.

Najstarsze odbitki były anonimowe, a pierwsze sygnatury pojawiły się dopiero w połowie XV wieku. Początkowo umieszczano znak lub monogram artysty na rysunku, bezpośrednio na matrycy (Albrecht Durer, Lucas Cranach).

 

 

Ryc.2 Martin Schongauer”, św. Archanioł Michał poskramiający smoka” (źródło: useum.org)

 

Później, aby odróżnić pracę malarza od pracy rytownika wprowadzono oba nazwiska, za którymi zamieszczano odpowiednie skróty łacińskie:

pinx. – pinxit – namalował

del., delin. – delineavit – narysował

inv. – invenit – wymyślił

sc., sculps. – sculpsit – wyciął

inc. – incidit – wygrawerował

f., fe., fec. – fecit – wykonał

lith. – litografował

Mogło występować również nazwisko drukarza ze skrótem:

im. – impressit – wydrukował

oraz nazwisko wydawcy ze skrótem

e., ex. – excudebat, excudit.

 

                                  

ryc.3 Monogramy artystów: Lucasa Cranacha, Albrechta Durera, Albrechta Altdorfera i podpis Józefa Pankiewicza.

 

Dopiero pod koniec XIX w. zaczęto sygnować odbitki własnoręcznym podpisem artysty umieszczonym pod dolną krawędzią druku. Obecnie w prawym dolnym rogu umieszcza się podpis i datę, w lewym – łamaną liczbę, gdzie licznik oznacza bieżący numer odbitki, a mianownik – ogólną wysokość nakładu, np. 3/10 oznacza, że jest to trzecia odbitka z 10 sztuk nakładu.

 

Ryc. 4 Pablo Picasso, „Płacząca” (źródło: rynekisztuka.pl )

 

Obok odbitek będących produktem finalnym istnieją ryciny dokumentujące poszczególne etapy pracy nad tym samym negatywem. Nazywane są stanami, często występują w znikomej liczbie egzemplarzy, dlatego są poszukiwane przez kolekcjonerów. Ich oznaczenia to:

E.E. (epreuve d`etat) – odbitki próbne wykonane przed ukończeniem płyty (negatywu)

E.A. (epreuve d`artiste) – odbitki autorskie wykonane przez artystę, numerowane dodatkowo cyframi rzymskimi od I do VI, wykonane poza nakładem, pozostające do dyspozycji autora.

Istnieją również odbitki kasujące (weryfikacyjne) – wykonane z przekreślonej płyty po wyczerpaniu limitu nakładu. W ten  sposób uniemożliwia się nielegalne użycie negatywu.

 

 

Huta szkła Niemen

Huta Szkła ,, Niemen” znajdująca się na terenach obecnej Białorusi słynie ze swoich wyrobów szkła użytkowego i dekoracyjnego na całym świecie.
Pierwotnie założona przez Zenona Łęskiego w 1883 w Ustroniu koło Nowogródka, lecz 11 lat później przeniesiona w pobliże wsi Brzezówki. W latach międzywojennych Huta Niemen była największym polskim eksporterem szkła prasowanego i dmuchanego do państw Europy, Ameryki Północnej i Południowej oraz Bliskiego Wschodu.

W 1935 Edmund Miatkowski wykonał umę z błękitnego szkła przeznaczoną na serce Józefa Piłsudskiego.
Produkowano szkło dmuchane, cichodmuchane oraz prasowane. W roku 1948 odbyła się Wszechzwiązkowa Wystawa Przemysłu Artystycznego i Sztuki Ludowej, na której pokazano szkło niemeńskie. Dziesięć lat później wyroby znalazły się na Wystawie Światowej EXPO58 w Brukseli.

 

Mówiąc o Hucie Niemen należy wymienić nazwiska mistrzów szkłarskich, takich jak:

B. Szamański

I.Kanamycki

I.Pietrenko

R. Bagiński

G.Linkiewicz

 Po wojnie skład szklarzy się uzupełnił poprzez: J.Gładkowa, G.Isajewicz i inni. W latach 60. do fabryki dołączyli szklarzy, którzy zmienili wygląd dotychczas produkowanych wyrobów. Formy stały się bardziej zwarte, a grawerowany ornament stał się bardziej lakoniczny w porównaniu do swego skomplikowanego poprzednika. W zdobnictwo wprowadzono wzory ludowe oraz charakterystyczne niemeńskie nici szklane. W latach 70. produkcją huty zaczęła wyróżniać się swoją teatralnością, zaczęto nalepiać roztopione aplikację do wyrobów dmuchanych oraz dekorować emalią, a nawet stosować korę drzew jako dekoracji do szkła cichodmuchanego. W. Murachwier tworzył za pomocą techniki mollirowania, stosując metalowej blachy z kontrreliefem, zamiast formy. W następnej dekadzie zaczęto stosować tzw. ,,suche farby”, które rozpuszczając się wydzielały gazy, w skutek czego na wyrobach pojawiały się pęcherzyki, właśnie tak powstała słynna .,Cisza. Dopiero w 2010 powrócono do ,,cracle, technika w efekcie, której stwarza się pozór popękanego szkła.

Za najbardziej cenne na rynku antykwarycznym uchodzą szkła ART DECO w kolorach błękitu, łososiu oraz także zieleni zwanej uranową. Produkcja szkła na Hucie Niemen działa w czasach dzisiejszych, lecz  te wyroby już nie niosą tych estetycznych walorów, które zawierały w sobie wyrobie polskie.

pobrane (9)

 Żardiniera

w formie łódeczki z falistą krawędzią;
lane z formy, częściowo matowione;
Polska, Huty Szklane Juliusza Stolle “Niemen”; 1920-1930

pobrane (9)

Wazon

szkło fioletowe, lane, szlifowane

Polska, Huty Szklane Juliusza Stolle “Niemen”; 1920-1930

pobrane (9)

Komplet do likeru

szkło przezroczyste w kolorze zielonym, szlifowane;

Polska, Huty szkła J. Stolle – Niemen, l. 30. XX w.

pobrane (9)

 Naczynia deserowe ART DECO

szkło barwione w masie łososiowe, prasowane, częściowo matowione;
Polska, huty szkła J. Stolle – Niemen, ok. 1930

pobrane (9)Komplet do likieru

szkło jasnoniebieskie, szlifowane
sygn. trawioną pieczątką J. Stolle (J. Stolle „Niemen” Huty Szklane Spółka Akcyjna)
Polska, ok. 1930

pobrane (9)Wazon

szkło prasowane, miodowe

J. Stolle (J. Stolle „Niemen” Huty Szklane Spółka Akcyjna)
Polska, ok. 1930

Źródło ilustracji: artinfo.pl

Porcelana rosyjska, Manufaktura Lomonosowa

Mówiąc o porcelanie rosyjskiej, mówimy głównie o wyrobach petersburskiej wytwórni Łomonosow oraz moskiewskiej – Kuzniecow. Nie mniej znana jest fabryka Gardnera.
Początki produkcji rosyjskiej porcelany przypadają na pierwszą połowę XVIII wieku.

Wytwórnia obecnie znana jako Fabryka Porcelany Łomonosowa założona w roku 1744 za sprawą cesarzowej Rosji – Elżbiety Piotrowny Romanownej – córka Piotra I Wielkiego. (Rys.1). Ze względu na jakość i cenność wyrobów fabryka zajmowała pierwsze miejsce w Rosji i trzecie w Europie. Na swoim koncie posiada ponad 4000  wyrobów różniących się formą i kolorystyką. Są to wyroby porcelanowe, serwisy obiadowe, pamiątki, wazy, figurki. Wyroby znajdują się w zbiorach Ermitażu, Moskiewskim Historycznym Muzeum, w Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie, w Metropolian Museum of Art w Nowym Jorku, etc.

Carle_Vanloo,_Portrait_de_l’impératrice_Élisabeth_Petrovna_(1760)

rys. 1 Portret Elżbiety Piotrowny Romanownej autorstwa Carla Vanloo,

źródło: pl.wikipedia.org/wiki/Elżbieta_Romanowa

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

Na początku fabryka nosiła nazwę Niewska Manufakturę Porcelany. W tym okresie Winogradow – utalentowany rosyjski naukowca opisał proces twórczy tzw.,,białego złota”, które w swej jakości nie ustępowało porcelanie saksońskiej, a w swym składzie było zbliżone do porcelany chińskiej.
W pierwszych latach działalności fabryki produkowano drobiazgi, głównie tabakierki lub pojemniki na perfumy, które Cesarzowa dawała prezencie osobom przybliżonym do dworu. Dopiero od roku 1765 zaczęto produkować przedmioty większego rozmiaru. W tym czasie powstał Serwis ,, Prywatny” Cesarzowej Elżbiety Piotrownej. (rys 2.)

112

Rys.2 Serwis osobowy Cesarzowej,

źródło:http://olga74ru.livejournal.com/500161.html

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30

Do połowy lat 60. XVIII wieku stosowało się cztery sygnatury, w czarnym, niebieskim i złotym kolorze (rys.3). Wyroby przeznaczone dla inwentarzu dworu były odznaczane dodatkową sygnaturą ПК (rys.4).

1111

(rys.3)Sygnatury stosowane do połowy lat 60. XVIII wieku
źródło: http://www.antik-invest.ru/
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

222332

Dodatkowe sygnatury dla dworu
źródło: http://www.antik-invest.ru/
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

Od roku 1765 manufaktura została mianowana Imperatorska Fabryka Fajansu, a jej wyroby nosiły niebieską lub złotą, naszkliwną czy też podszkliwną sygnaturę: ИФЗ (rys.4,5,6,7,8,9). Ten okres przypada na panowanie Katarzyny II, wtedy do fabryki został zaproszony francuski rzeźbiarz G.D.Rachett i od tej pory w wyrobach zaczęły się przejawiać wątki sztuki francuskiej w postaci klasycyzmu. Rozpoczęta produkcja bogato zdobionych serwisów obiadowych, niektóry z nich składały się z ponad 1000 elementów. Najbardziej znane z tego okresu serwisy powstałe na zamówienie Katarzyny II: ,,Arabieski” (rys.5), ,,Jachtiński” (rys.6) oraz ,, Kabinietski”(rys.7), centralną część serwisu stanowiły figury gloryfikujące postać cesarzowej.

arabieski

Rys.5 Elementy serwisu Arabieskiego
źródło: https://lermontovgallery.ru/spravochnik-antikvariata/legendarnyy-russkiy-farfor-ifz/
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

ddddddd

Rys.5 Elementy serwisu Jachtińskiego
źródło:https://lermontovgallery.ru/spravochnik-antikvariata/legendarnyy-russkiy-farfor-ifz/
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

qwe

Rys.7 Elementy serwisu Kabinietskiego

źródło:https://lermontovgallery.ru/spravochnik-antikvariata/legendarnyy-russkiy-farfor-ifz/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

Za arcydzieło serii wyrobów figuratywnych uważa seria przedstawiająca grupy etniczne ludów zamieszkujących na obszarach byłego Cesarstwa Rosyjskiego. Jej autorem jest właśnie G.D.Rachett. Seria naliczała około 100 figur, a dotychczas zachowało się 74.(rys.8,9,10).

a

Rys.8 Grupy etniczne ,, Narody Rosji
źródło: Wikipedia
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

b

Rys.9 Grupy etniczne ,, Narody Rosji
źródło: Wikipedia
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

c

Rys.10 Grupy etniczne ,, Narody Rosji
źródło: Wikipedia
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

qww

( rys.11)Sygnatury używane od 1765 do 1796 roku

źródło: http://www.antik-invest.ru/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

Od roku 1801, za panowania Aleksandra I panującym stylem w sztuce był Empire, dlatego, zostali zaproszeni rzemieślnicy z Sèvres. Od tego czasu porcelana już skupiała się nie na odzwierciedleniu potęgi i gloryfikowania władzy, lecz na pokazywaniu wątków narodowych i militarnych oraz portretów. Do lat 60 wazy były produkowane na szeroką skalę i głównym elementem dekoracyjnym było 22 karatowe złoto. Gurjewski serwis jest przykładem rosyjskiego empiru, ogólnie ten serwis liczył 4500 elementów, a interesującym  jest to, że nie posiadał w ogóle czajników. Na jednej z ostatnich aukcji estymacja jednego talerza z tego serwisu wynosiła 30 000 euro.

qwe

(rys.12) Sygnatury używane od 1796-1825

źródło: http://www.antik-invest.ru/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

qwe

(rys.13) Gurjewski serwis,

źródło: http://antikdesign.livejournal.com/119526.html

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

Lata 1825-1855 lata, w których produkowano serwisy wprawie do wszystkich rezydencji Petersburga. Także powstał serwis dla Wielkiego Kremlewskiego Dworca w Moskwie i Serwis Wielkiego Kniazia Konstantyna Nikolajewicza (rys.14). Na wazach powstałych w tym okresie pokazywały się wzory płócien Leonarda, Rafaela, Tycjana, głównie te płótna z Ermitażu.

qwee

(rys.14) Cukiernica z serwisu Wielkiego Kniazia Konstantyna Nikolajewicza

źródlo: http://www.liveinternet.ru/users/3485865/post156106127/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

qwe

(rys.6) Sygnatury używane od 1825 -1855

źródło: http://www.antik-invest.ru/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

W latach 1881-1894 za panowania Aleksandra III powstał serwis ,,Koronacyjny”.(rys.16)

qwe

(rys.8) Sygnatura -(a) stosowana w 1881-1883, w kolorze złotym czy niebieskim

-(b, c) w latach (1884-1894), w kolorze zielonym

źródło: http://www.antik-invest.ru/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

Lata 1894-1917 lata panowania ostatniego cara Nikołaja II. Ze względu na rozwój artystyczny i techniczny fabryka znajduję się na szczycie w porównaniu na poprzednie lata. Do najbardziej znanych zamówień tego okresu należą dwa serwisy na zamówienie Aleksandry Fedorownoj, ,,Aleksandrijski’ i ,, Carskosielski . Na zlecenia Nikołaja drugiego powstała seria talerzy zdobionych motywami militarnymi.

qwe

(rys.9) Sygnatury z lat 1894- 1917, w złotym lub zielonym kolorze

źródło: http://www.antik-invest.ru/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

W związku z rewolucją w roku 1917 manufaktura zmieniła nazwę na Państwową Fabrykę Fajansu z sygnaturą: ГФЗ (rys. 10,11,12)

qwe

(rys.10) Sygnatury z lat 1917-1919,

źródło: http://www.antik-invest.ru/

[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

qwe

(rys.11) Sygnatury od 1919 roku
źródło: http://www.antik-invest.ru/
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

qwe

(rys.12) Sygnatury na eksport
źródło: http://www.antik-invest.ru/
[dostęp, online: 2017-01-18, 13.30]

W roku 1925 fabryka dostała dzisiejszą nazwę Leningradzka Fabryka fajansu Lomonosowa .Od roku 1925 do 2006 stosowano sygnaturę ЛФЗ (rys.13)

qwe

Od roku 2006 stosuję się sygnaturę z dwugłowym orłem. (rys.14)

qwe

Platery polskie

Platerowaniem nazywamy metodę nakładania na przedmioty metalowe cienkich warstw innych metali. Metodę stosuję się przy użyciu różnych technik: walcowanie, walcowanie na zimno, przeciąganie, proszkowanie, odlewanie, metodą wybuchu, natryskiem lub metodą galwaniczną. Zaletami platerowania są zapobieganie korozji, zwiększenie lutowności, utwardzenia powierzchni oraz dekoracyjność. Wyroby platerowane noszą miano plater, są to głównie przedmioty użytkowe, przedmioty kultowe i dekoracyjne, zastawy stołowe, toaletowe oraz drobna galanteria, a także guziki.

             Platerowanie w Europie, a dokładnie na Wyspach Brytyjskich rozwinęło się w połowie XVIII wieku. Historia mówi, że stało się to zupełnie przez przypadek, w roku 1743, kiedy Thomas Boulsover połączył miedzianą i srebrną blachę rękojeści noża. Początkowo miedzianą blachę powlekano srebrem po jednej stronie, a drugą stronę cynkowano. W wyniku tego eksperymentu powstała wytwórnia Sheffield Plate znana w kręgach odbiorców i koneserów sztuki do dziś.

  w

                                                                      Zdjęcie.1 Sygnatura Sheffield Plate z roku 1784.

                                                                   

ww

                                                          Zdjęcie 2, Waza do zupy, Sheffield Plate, 1820 rok, Anglia

                                       Platery na szeroką skalę w Polsce zaczęły powstawać w osiemnastym wieku. Był to dobry wiek dla tworzenia platerów ze względu na postęp technologiczny, obniżający koszta produkcji. Polskie wyroby platerowane możemy obejrzeć dzisiaj w Muzeum Historycznym m.st Warszawy, Muzeum Mazowieckim w Płocku, Muzeum Narodowym w Warszawie oraz Muzeum Woli w Warszawie.

www

                                                 Zdjęcie 3, Platery w Muzeum Woli w Warszawie

                              Jedną z najbardziej znanych wytwórni polskich platerów, była wytwórnia Józefa Frageta. W 1824 roku, na zaproszenie Tadeusza Mostowskiego bracia Józef i Alfons Fraget przybyli z Francji do Polski i założyli w jej stolicy firmę. W roku 1848 Alfons Fraget wycofał się z przedsiębiorstwa i wrócił do Francji.

W trakcie pierwszej wojny światowej fabryka zaprzestała produkować papierośnice, zapalniczki oraz drobną galanterię produkowaną do tego momentu, a skupiła się głównie na elementach zastawy stołowej. W roku 1926 roku firma opatentowała stop o nazwie bielnik, znacznie szlachetniejszy od alpaki. A w roku 1928 firma Fraget otworzyła sklepy w Aleksandrii, Kairze i Meschedzie. Sklepy również znajdowały się we Lwowie, Łodzi, Konstantynopolu, Mińsku, Żytomierzu, Kijowie, Odessie, Charkowie, Grodnie, Petersburgu, Moskwie oraz w Wilnie.

Józef Fraget w 1847 wprowadził technologię galwanizacji metodą cylindrów wynalezionych przez Roulta i Elkingtona, ściągając do Warszawy fachowca znającego tą technologię. Najpierw produkowano tylko sztućce, lecz później zaczęto produkować platery korpusowe. Od roku 1849 w produkcji zaczęto stosować nowe srebro ( żółtego koloru). Jest to srebrzystobiały stop imitujący srebro, zawierający 40-70% miedzi, 10-20% niklu i 5-40% cynku. Platery znajdowały odbiorców u przedstawicieli różnych klas. W połowie XIX wieku komplet herbaciany kształtował się w cenach od 291 do 1600 zł, wazę można było nabyć za 700 zł.  Już w roku 1857 produkowano 150 tuzinów sztućców z nowego srebra dziennie. Dziesięć lat później zmarł Józef Fraget, po czym fabrykę odziedziczył jego syn Julian. Poszukując inspiracji firma współpracowała między innymi z Siemiradzkim i Kuharzewskim. Oprócz wyrobów wykonywanych na szeroką skale też powstawały wyroby na zamówienia prywatne, np. dla króla Persji, Afganistanu, Rumunii oraz Serbii. W roku 1961 firma Fraget i firma Braci Henneberg się połączyli, w wyniku czego powstała wytwórnia Hefra.

22222

                                                  Zdjęcie 4, Sygnatura Fraget z lat 1860-1872

222222222222

                                                Zdjęcie 5, Sztućce Fraget, Fas. BARROCCO

                                                             

1

                                                 Zdjęcie 6, Cukiernica skrzynkowa Fraget, 1860/1896

Wytwórnia Braci Henneberg została założona przez Juliusza i Juliana Henneberga oraz Michała Czajkowskiego w latach 1856-1857. W 1878 roku jako pierwsza fabryka w Polsce zastosowała biały metal do produkcji sztućców. Produkowali platerowane złotem i srebrem sztućce, przedmioty artystyczne i galanterię. W latach pierwszej wojny światowej fabryka poniosła dość duże straty. Po wojnie, w 1929 roku nastąpił kryzys, który zmusił do produkowania sztućców ze stali nierdzewnej. W roku 1937 wytwórnia oferowała 12 modeli sztućców Firma posiadała sklepy fabryczne w Warszawie, Tbilisi, Moskwie, Irkucku i Petersburgu. W roku 1961 z połączenia wytwórni Braci Henneberg i Fraget powstała firma Hefra, działająca do dziś.

11

                                                Zdjęcie 6, Sygnatura Braci Henneberg

qqqqqqqqqqqqq

                                                    Zdjęcie 7, Patera, Bracia Henneberg, ok.1880

              Kolejną wytwórnią platerów warszawskich jest Zakład Norblin, który został założony w roku 1920. W tym roku syn znanego polskiego malarza Jana Piotra Norblina, Aleksander założył zakład brązowniczy Norblin i Spółka. Do wyrobów wytwarzanych przez Norblin zaliczają się: świeczniki, wazony, ozdoby stołowe i sprzęt do gotowania. W roku 1882 roku Norblin wykupił wytwórnię platerów Braci Buch i od tego czasu stosowano nazwę ,, Norblin i Spółka -Bracia Buch”.

W latach 90. XIX wieku pracownia wybudowała walcownie metali kolorowych i od tej chwili przedsiębiorstwo zaliczano do szóstki największych w branży metalowej na terenie Królestwa Polskiego. W roku 1895 zmonopolizowały wytwórnie rur miedzianych na terenie Królestwa Polskiego.

Liczne sklepy wyrobów platerowanych firmy Norblin powstało w Rosji, a w roku 1896 jej wyroby wyróżniono najwyższym rosyjskim odznaczeniem – prawem wbijania herbu cesarskiego – dwugłowego orła.

W roku 1908 firma opatentowała stop cynowy – verit

norblin

                                               Zdjęcie 8, Sygnatura Norblin

cuki

                                                           Zdjęcie 9, Cukiernica ART. DECO, Norblin

                  Ogólnie rzecz biorąc platery zajmują swoją osobną niszę w rzemiośle artystycznym i pełnią zarówno funkcję użytkową wraz z estetyczną. Platery rozpowszechniły się ok. 250 lat temu, lecz do dzisiaj wiernie służą swoim odbiorcom. O platerach można powiedzieć przysłowiem: ,, Nie wszystko złoto, co się świeci”